The Tracey Fragments

Película de corte independiente, "The Tracey Fragments" dirigida por un creativo e imaginativo Bruce McDonald, que utiliza sabiamente a mi actriz favorita, la señorita Ellen Page, grande en todos los sentidos. La película es un análisis no lineal de la maduración de un personaje que se topa de narices con la realidad, que descubre lo que la gente puede ofrecerle una y otra vez vaya a donde vaya, corra a donde corra, el descontento o la infelicidad humana. El sentimiento de búsqueda es algo que también se toma con cierta anarquía el film, desde los paseos en autobús buscando a un ser querido con paradero desconocido, el sentimiento de culpa, la decadencia social o el sexo de la manera más burra y descabellada que se haya podido ver. La señorita Ellen Page compone este personaje acorde con estos hechos argumentales, un gran papel donde la imaginación del guión expone unos excelentes diálogos y monólogos morales que harán pensar casi sin aliento al espectador sobre lo que está contemplando (la película dura poco, con lo cual la experiencia no se hace pedante y es exhaustiva). La cantidad de material se auna de manera creativa y bastante llamativa, el visionado a veces es complicado, pero tiene todo el sentido, los fragmentos de Tracey están tan desordenados como el propio personaje en sí, con lo cual, el círculo técnico y argumental se dan la mano en muchísimas ocasiones, esto es un total acierto en mi humilde opinión. 

Dentro del reparto, también cabe destacar al personaje adolescente del que se enamora Tracey, Billy Zero, interpretado por Slim Twig, un personaje frío y con un trasfondo vomitable, realmente una lección de moral de mediocridad masculina para las adolescentes que vean el film, muy acertado. La música, básicamente se compone de unos psicodélicos temas de un grupo que he descubierto por este film tengo que admitir, Broken social scene, que están fantásticos y aportan una hermosa atmósfera. Vuelvo al director, Bruce McDonald, para destacar la gran labor documentalista que usa dentro de la historia. La cámara en mano es casi todo el tiempo el alma técnica de la cinta, pero hay que destacar algún que otro momento donde la cámara es un personaje más y el escenario cuenta de manera especial el momento, el autobús, la curiosa casa y verja donde reside la protagonista, o el plano secuencia final, que capta esa soledad del personaje con tal crudeza que se acepta con dignidad, un final que simplemente deja todo donde empezó, pero poniendo al espectador en advertencia con todo lo que le rodea, como suelen decir, películas que dejan como un día o dos con la mente en vilo, pensativos.

Momentos para destacar: El inicio, es bastante abrumador porque simplemente no se sabe que está ocurriendo, las secuencias dentro del autobús son muy buenas. El personaje de Tracey imaginándose su idílica vida con Billy Zero, un puntito creativo y desmesurado del film que saca alguna que otra sonrisa y a su vez expone muy bien como acabará todo. El giro final es bastante bueno, con Tracey y Billy Zero teniendo una secuencia durísima dentro del coche y totalmente cruda, genial, y el plano final, una de las cosas que me dejaron helado. En general, estamos ante una película que paso totalmente desapercibida,que no se estreno en nuestro país, y que recomiendo ver porque realmente merece la pena por tener un puntito de originalidad y ser algo diferente dentro del cine actual, aparte claro, de la corta duración que la hacen más intensa si cabe.

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Carrie 2002

Hoy os traigo una versión de Carrie realizada en el año 2002 que es prácticamente desconocida fuera de los seguidores más fieles a las adaptaciones de Stepen King.

Es en el paso al nuevo siglo en donde aparece Carrie (2002), la versión más fiel a la novela original (aunque bueno, todo el mundo sigue criticando que a Carrie nadie la retrata como la gorda granuda que se supone que es en el libro). Una película hecha para la televisión, un Remake que nació como un proyecto piloto para una serie en donde Carrie se va a Florida y con sus poderes ayuda a otros jóvenes incomprendidos como ella. Menos mal que el proyecto no surgió, y al final se elaboró este film dirigido por David Carson, y escrito por Bryan Fuller.

En general la historia de Carrie no varía considerablemente en las tres versiones; sin embargo, en la Carrie (2002) es la única que sacó a la luz la escena de una Carrie pequeña, que por curiosidad al ver a su vecina con los pechos al aire, le pregunta inocentemente que carajos son esos bultitos, y para desgracia de la niña, su madre la descubre, la encierra en su casa para castigarla y entonces empieza una lluvia de rocas que destruye casi por completo la casa y sus alrededores.

Para mí esta Carrie es la mejor, no tanto por la película en sí, sino por la increíble actuación de Angela Bettis,  le pone con su interpretación de la clásica inadaptada.

Es un telefilm, no busquen cine aquí, hay que valorarlo como tal y como tal no debería salir tan mal parada. Cierto que las actuaciones no son nada brillantes, ni su producción, hasta su director, David Carson, ha basado prácticamente toda su carrera en producciones televisivas y como producto televisivo, tiene un punto fuerte: su historia.

Cierto es, que esta Carrie White es la más cercana hasta ahora del texto original, siendo sinceros ¿quién pensaría que dos preciosidades como Sissy Spacek o Chloë Grace Moretz tendrían problemas de adaptación en el colegio? Angela Bettis es la mejor Carrie White de las existentes atendiendo al texto (y aunque todo el reparto ha hecho una actuación floja, hay que reconocer que su interpretación es muy buena), aunque siguen con la moda de mostrarla extremadamente delgada (como si no hubiera obsesos en EEUU, los hay, y muchos) cuando en el texto se la describía "rellenita)

La historia que nos muestra es mucho más cercana que otros trabajos basados en el libro, y mejoras en los efectos especiales y el los poderes de Carrie, con una telequinesis mejorada e incluso habilidades telepáticas, tal y como lo describe el texto, incluso el ritmo de la historia, más epistolar, es más cercano al ritmo del libro.

Aún así, tiene un gran pero, y es el final, aunque tiene su explicación. Se decidió aprovechar el film para un hipotético episodio piloto de una serie basada en Carrie, que nunca se llegó a realizar.

En resumen:
Si quieren cine: vean Carrie de Brian de Palma (1976).
Si quieren conocer la historia de Carrie: Vean Carrie de David Carson (2002).
Si quieren ver un verdadero "remake" de la película de De Palma para criticarla y decir lo malo que es ese "remake": Vean Carrie de Kimberly Peirce (2013).

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48 horas: Miguel Ángel Blanco

Hace algunos días se cumplieron diecinueve años del asesinato de Miguel Ángel Blanco Garrido y ne esta ocasión os traigo una película que narra esas 48 horas que fue secuestrado. 

No puedo entrar a valorar la película como tal. La tengo que valorar como algo histórico y, sobre todo, como algo necesario. Necesario que no olvidemos nunca esos días(guardados a fuego en mi memoria y eso que tenia apenas 12 años). Necesario que los que no lo vivieron, lo conozcan. Necesario que no olvidemos a Miguel Ángel Blanco Garrido. Necesario que todos recordemos como este País, como pocas otras veces, estuvo unido durante aquellos días.

En priori resulto difícil afrontar una producción de estas características, estando tan fresco el recuerdo del secuestro y posterior asesinato del concejal de Ermua; no obstante, me parece que los responsables de la película, la productora El Mundo TV, tuvieron una gran valentía, acierto y respeto al recuerdo de este chico, a partes iguales, a la hora de abordar el tratamiento de una historia que logró levantar de una peligrosa inercia a la inmensa mayoría de los vascos en particular y de todos los españoles en general, para movilizarse en un inmenso grito de "Basta ya" y lograr que el golpe de efecto que pretendían los paladines del terror les explotara en plenas manos.

Independientemente de la profundísima carga política y social que tuvieron los hechos que se nos narran en este telefilm, me alegra comprobar cómo el cine puede y debe servir en ocasiones para refrescar la memoria (en una de esas ocasiones en las que, quienes lo hayan vivido, recuerdan dónde estaban y qué hacían en ese preciso momento) y aportar un granito de arena a esa muralla invisible que, aunque no pueda contener la inexorabilidad del tiempo, sí puede dejar cierta enseñanza o alguna reflexión para no cometer los mismos errores.

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Oz, un mundo fantástico

Hoy os traigo una película semidesconocida que en su día estuvo nominada al Oscar por Mejores Efectos Especiales y que fue estrenada el 21 de junio de 1985. Estamos hablando de la secuela no oficial de El Mago de Oz por Walt Disney Pictures, pero sin aprobación de MGM, la compañía creadora del clásico de año 1939. Sin embargo, no necesitaban de aprobación, ya que todos los derechos de los libros de Oz ya eran de dominio publico. La película no tuvo un buen recibimiento en taquilla y tuvo críticas favorables y desfavorables. Tal vez la razón de su poco éxito fue que la mayoría de la gente identificaba a Oz como la película de MGM, no como la saga de libros. Sin embargo, se ha convertido en un clásico de culto al día de hoy y buscado por muchos.

El mago de Oz es unas de las más mágicas películas de fantasía jamás filmadas y por eso la película protagonista de esta entrada es poco conocida, menospreciada e incomprendida. Esta continuación de “El mago de Oz” que no pretendió ser la continuación directa del clásico de MGM de 1939 sino un adaptación de las continuaciones literarias de la obras homónimas de Frank Baum ;La maravillosa tierra de Oz y Glinda de Oz. De hecho, esta película es más fiel a los libros que el clásico de MGM.

Oz, un mundo fantástico, frecuentemente es referida como una secuela de "El Mago de Oz", la película de 1939, sin embargo esto es parcialmente cierto. Algunos lazos se mantuvieron deliberadamente, por ejemplo las zapatillas de plata en el libro de Baum se mantuvieron como zapatillas de rubí en Regreso a Oz, al igual que en la producción de MGM. El hecho de que algunos actores en este filme tuvieran doble rol como personajes en el "mundo real" y en el "País de Oz". También la película de MGM tiene este concepto, Dorothy imaginando Oz basado en personas que conoce en la vida real -lo cual no está presente en la historia original- esto queda casi intacto en esta película . Sin embargo es aquí donde las similitudes terminan.

Además de ser más realista, mucho más oscura y no un musical, la película es mucho más fiel al concepto original de Oz, descrito en los libros de Baum. Algunos detalles del libro, como el cambio de nombre del "Leñador de Hojala" a "Hombre de Hojalata" en la película de 1939 y toda su historia, que ni siquiera es mencionada en la original, aquí son rescatados. También, Fairuza Balk tenia 9 años durante la filmación, lo cual es mucho más cercano a la edad de Dorothy en los libros, comparado con la edad de Judy Garland, quien tenia 16 cuanto protagonizó "El Mago de Oz". La película está llena de situaciones perturbadoras y escenas violentas. Está es quizá una de las mayores quejas para quienes no conocían los libros, ya que ésta es nuevamente más fiel a la visión de Baum: es común ver tales escenas en los libros, aunque tal vez de manera más enigmática.

La película fue cara de hacer y superó su presupuesto. La clasificación PG (Guía de los padres) fue una de las causas de su pobre desempeño en taquilla. Muchos críticos denunciaron la película como demasiado perturbadora o aterradora para niños pequeños. Sin embargo, otros críticos, incluyendo al respetado Harlan Ellison elogiaron el filme por su originalidad y sus imágenes. Aún es referida como "adelantada de su tiempo" por la calidad y los efectos especiales.

Mucha gente no familiarizada con los libros de Oz encontraron a los personajes y escenas demasiado bizarros y desconocidos.

Considerando cuan terríficos eran muchos elementos del filme de 1939 para generaciones previas, muchos críticos y espectadores parecieron olvidadlos y recordar Oz como una tierra de hadas. El objetivo de Baum fue crear Oz como un mundo con ambos: paradisíacas y aterradoras características, y esta película es mucho más cercana a la visión original.

Hablando de materia de la película en si, la película nos transporta a un mundo con una visión surrealista e imaginativa en extremo, con una historia que tiene diversas lecturas y una profundidad que solo puedes entender viéndola varias veces (hay símbolos escondidos durante toda la película), los actores hace un interpretación de libro, la banda sonora de David Shire es apoteósica, es una película entretenida de principio a fin con dosis sentimentales, emocionantes a veces un tanto espeluznantes y unos alucinantes efectos especiales que utiliza las viejas técnicas de stop motion, perspectivas forzadas y animatronics que le dan un aire nostálgico y de más credibilidad que con los ayudantes utilizados efectos digitales en CGI que apenas se empezaban a utilizar en aquella época.

Sin lugar a dudas un tesoro que no es muy conocido que debe ser desempolvado y ser disfrutada.

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El señor de las moscas 1963

Hoy os traigo una película del año 1963 inédita en España. En esta ocasión os presento la primera adaptación cinematográfica de la novela de William Golding escrito en le año 1954, El señor de las moscas, la cual tuvo otra adaptación más conocida en el año 1990.

Cualquiera de las dos películas son más que recomendables pero hoy voy a recomendar y ha comentar la primera de ellas.

Sólo el inicio de la película con esa narración a base de fotografías fijas te deja clavado al asiento. Además el trabajo de fotografía en blanco y negro es un verdadero prodigio. Entre ambas versiones hay diferencias (como la elección del jefe del grupo) pero la esencia de ambos es similar. Sin embargo, los personajes tienen más matices y están mejor desarrollados en la primera versión.

Las dos películas ahondan en la idea de la sociedad humana. Los niños perdidos en una isla desierta deben aprender a sobrevivir. Deben satisfacer sus necesidades básicas de cobijo y alimento. En los primeros días tras el accidente, se establecen unas normas básicas de convivencia y disciplina encaminadas a un posible rescate y heredades de la sociedad de la que provienen los muchachos.

El hecho de encender el fuego se hace imprescindible, las gafas del personaje de Piggy (Cerdito), un muchacho no muy dotado físicamente y que es objeto de las burlas de sus compañeros, serán la herramienta usada para encender el fuego. También se establece un método de llamar a asamblea haciendo sonar una caracola. Dicha caracola servirá también para tomar la palabra en las reuniones, todos tendrán acceso a la palabra pero sólo podrá hablar aquel que esté en posesión de la caracola. Ésta pasará a ser el símbolo de la organización del grupo, es su pequeña unión a las normas sociales del lejano mundo de los adultos. Es su pequeña constitución y su símbolo de democracia dentro del grupo.

Se establecen roles sociales dentro del grupo. Se repartirán tareas y se asignan turnos para vigilar que el fuego no se apague durante el día y la noche. La falta de seguimiento por parte de algunos hace pensar a Ralph, elegido líder del grupo, que hacen falta sanciones disciplinarias. Los encargados de cazar, capitaneados por Jack, se convierten en un grupo fundamental, ya que son los que traen la comida al grupo, siendo los cerdos salvajes su presa más preciada. Para ello necesitan lanzas que ellos mismos construyen. El poder otorgado por las armas los convierte en una élite social. Jack y sus cazadores empiezan a diferenciarse del resto pintándose la cara como si de guerreros tribales se tratara. Jack apela al instinto de supervivencia del ser humano que le hace querer pertenecer a un grupo y ser aceptado socialmente. Todo el que no pertenezca a la tribu será tratado como un paria. Jack difunde entre los suyos la idea de que nunca van a ser rescatados, así pierden la fe en el improbable rescate y deciden dejar de seguir las normas establecidas por Ralph.

Jack potencia también creencias infantiles, casi mitológicas, haciendo creer a los demás que hay un monstruo en la isla. Jack usa el miedo de sus compañeros para controlarlos. La razón que deja paso a la superstición. El retorno a las emociones primarias del ser humano queda patente no sólo en sus pinturas de guerra sino también en los ritos, ofrendas y sacrificios que llevan a cabo. Jack crea una dictadura basada en el miedo en la que él es el dictador y los demás obedecen.  Jack ofrece comida y seguridad, lo que hace que su violenta dictadura vaya ganando cada vez más adeptos. Una vez más vemos cómo la seguridad se impone a la libertad.

 Así, la tribu de Jack se va haciendo más numerosa hasta que los pocos que no se han unido a ella serán vistos como disidentes y serán hostigados por sus antiguos compañeros. Frente a la tribu de Jack, Ralph y Piggy tienen la caracola y las gafas para hacer fuego, pero cuando la tribu de Jack les roben las gafas, no tendrán nada más que unas normas que ya nadie sigue. Ralph y Piggy siguen creyendo que el rescate es posible y que hay que mantener unas normas básicas de convivencia y respeto. Es el hecho de tener fe lo que realmente les diferencia del resto. Si no hay esperanza no vale la pena seguir con las normas de una civilización que ya no tiene ninguna influencia sobre ellos. En el grupo de Jack se impone la tiranía, siendo los caprichos del líder los que decidan el destino del grupo.

Las dos adaptaciones son fábulas pesimistas sobre la sociedad. Personalmente, no creo que el ser humano sea bueno por naturaleza y sea la sociedad la que lo convierte en malo. Creo que instintos y comportamientos violentos o autoritarios son inherentes a la naturaleza humana. La vida en sociedad sacrifica parte de esos instintos en beneficio de la colectividad. De igual modo, puede ocurrir que una sociedad, movida por el miedo se deje gobernar por un tirano.

 Me pareció muy estimulante la simbología de los objetos como las gafas (el progreso), la caracola (la democracia), la pintura (la diferencia frente a los otros) o la cabeza del jabalí (el miedo). Como podéis ver, películas sobre niños que no es para niños.

Así que hoy os dejo la primera versión, si queréis que en algún futuro os deje la versión de 1990 solamente me lo tenéis que pedir.

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La Historia de Ana Frank

Maravillosa miniserie de tres horas de duración sobre los ocho escondidos de la casa de atrás. No solamente se centra en Ana Frank.

A ser mas larga que una película, permite recrearse más en la época de antes del escondite y nos cuenta lo que sucedió después, cosa que he agradece mucho.

Además, da una visión de Ana muy cercana a lo que se percibe en el libro. La actriz hace muy bien el papel, y se parecen bastante físicamente, como casi todos los personajes. No solo se centra en los dos años que estuvieron en la casa de atrás. Aún así, la recomiendo para todo aquel que le gustó el libro y a cualquiera que le llame la atención lo vivido por los judios durante el tercer reich. La última parte es estremecedora, comparable a escenas que me marcaron tanto de La lista de Schlinder o El pianista. Me hizo tener un nudo en el estomago y que me saltasen algunas lagrimas.

Como he dicho apenas solo una parte de la miniserie esta dedicada al escondite, a decir verdad es de lo que menos minutos en pantalla se le dedica en película, pero a basarse en ello la hace mucho mas interesante, es altamente recomendable para aquellas personas que en especial hayan visto El Diario de Ana Frank de 1959 ya que en esa versión se centra exclusivamente en la casa de atrás pero la grandeza de esta versión del 2001 es que te enseña la vida de Ana antes de tener que mudarse al escondite y sobretodo lo mas increíble de la película, cuando fueron llevados al campo de concentración de Bergen - Belsen. Es estremecedor la parte de la película en que están en el campo de concentración, en todos los sentidos, ver gente inocente, una niña como otra cualquiera, con sus sueños y sus cosas, encarcelada como la peor de los delincuentes por el simple hecho de ser judía. Es duro ver como una niña tan viva y tan alegre poco a poco se va apagando por la tristeza. Película que te pone los pelos de punta y te emociona a más no poder.
La historia que cuenta esta película es muy real y fiel al diario, todos los elementos claves están reflejados en este film, aunque también es verdad que el guión se toma ciertas libertades para añadir un poco más de intriga cinematográfica a la historia (estas libertades las comento en el spoiler).

La película fue rodada en Praga (no en Amsterdam) y se nota que la mayor parte del presupuesto se utilizó para vestuario y la decoración de los interiores (ambos magníficos). El paisaje exterior está menos cuidado, aunque para la historia que cuenta eso es un mal menor que se perdona con facilidad. Los actores están soberbios, todos físicamente se parecen a los personajes reales pero tengo que destacar por encima de todos al genial actor Ben Kingsley haciendo de Otto Frank, eso ya me garantizaba una excelente interpretación de una de las figuras más importantes de esta historia.

Muy acertado también dedicar tiempo al hecho de la nacionalidad de Ana (nacionalidad Alemana, que fue retirada a los judíos). Ella no quería serlo, quería ser Holandesa. Hace unos años hubo una iniciativa popular en Holanda para otorgarle de manera póstuma la nacionalidad Holandesa a Ana Frank. Lamentablemente la ley y la burocracia no lo permitieron.

Y volviendo a la historia que cuenta la película, desde el primer momento hay varias escenas que ponen los pelos de punta: la obligación de registrarse en la oficina como judíos, la clase de niños judíos que con el paso del tiempo se va quedando sin alumnos, y el hecho de que la película continúa tras el final del diario.
Las últimas escenas están muy bien elegidas, no solamente en lo que muestran, si no también en lo que ocultan. Me parece correcto dejar tras una puerta cerrada la conversación del padre, una persona muy reservada, con la chica que tiene información sobre sus hijas. Y también me parece acertado no mostrar la muerte de Ana.
Los detalles están muy bien cuidados. Es impactante ver las fotografías que Ana colgaba en la pared de su habitación. Algunas todavía siguen ahí colgadas, en la pared de su habitación de la "casa de atrás", que forma parte del actual museo de Ana Frank en Amsterdam.
Y también otros detalles se ven reflejados en la película, como la relación con su madre, el árbol que veía desde su ventana, el sonido de las campanas. Y la sirena que avisa de un ataque aéreo, que desde la segunda guerra mundial nunca mas dejó de sonar en Holanda (todos los primeros lunes del mes hacen a mediodía una prueba de unos minutos de todas las sirenas en el país. Si te encuentras en ese momento en ese país es un momento impactante que te lleva de inmediato en tu mente a la segunda guerra mundial).

Quien visite Amsterdam y vaya al museo de Ana Frank ya no podrá ver el famoso árbol, ejemplar protegido que acabó siendo victima del boom urbanístico hace unos años. Poco después de ser denegada la licencia para talarlo, solicitada por el propietario del terreno, el árbol 'casualmente' murió y fue derribado. Y el propietario, para sacarle máxima partida, intentó venderlo en trocitos... Nadie se lo compró.

Una maravilla que no sé cómo no es más conocida. ¿Será porque esta historia ya no llama a la atención hoy en día? No sé porque será, pero yo ya la tengo en colección, porque no me puede faltar.

La película no muestra elementos al estilo Hollywood de acción ni de héroes, si no que muestra la cruda realidad: una familia durante años encerrada en una casa intentando ocultarse de los nazis para sobrevivir. A quienes todavía no hayan visto esta historia real o no conozcan el diario solo puedo aconsejarles una cosa: véanla

La fidelidad de la película no me ha fallado (salvo algunos detalles que ahora diré), y he podido sufrir con esta historia hasta que me he cansado de apenarme, de vivirla, de embelesarme con cada escena, con la fotografía, los diálogos...con todo.

SPOILER
Libertades que se toma el guión: estas son todas las escenas relacionadas con el empleado de actitud sospechosa, y la escena en la que claramente la película muestra a un culpable y su motivación para delátalos. En realidad nunca se supo como los nazis acabaron encontrando a la familia Frank, casi con total seguridad fue un chivatazo, pero no se sabe de quien, ni como fue.

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Supervivientes de los Andes

El viernes 13 de octubre de 1972, un avión uruguayo con 45 personas a bordo se estrelló en los Andes. El grupo estaba compuesto por jóvenes jugadores de rugby, sus amigos y parientes. Los sobrevivientes al choque quedaron atrapados por las montañas nevadas a casi 4.000 m de altitud, sin comida suficiente, sin agua, sin vestimenta adecuada y soportando temperaturas menores a -30ºC. Al décimo día se enteraron, a través de un pequeño receptor de radio, que la búsqueda del avión había sido suspendida, dándoselos por muertos. Sabiéndose abandonados, la salida de ese lugar quedaba exclusivamente en sus propios intentos de encontrar un camino al valle. Finalmente, dos de los sobrevivientes lograron, con enorme sacrificio y en condiciones inhumanas, cruzar a pie la cadena montañosa de los Andes. Tras caminar 10 días, encontraron al arriero Sergio Catalán, quien salió en busca de ayuda y regresó con un grupo de rescate. Concluyeron así 72 días de hambre, dolor, sufrimiento, desesperación y esperanza. Este suceso es conocido mundialmente como el milagro de los Andes.

Seguramente conozcas esta historia real por su adaptación cinematográfica estadounidense del año 1993 llamada Viven pero 17 años antes, en el año 1976 y solamente cuatro años después de tal trágico suceso el cineasta mexicano René Cardona recrearía este suceso adaptando el libro de 1973 de Clay Blair Jr.

A ser una película del año 1976 y de un presupuesto muy limitado no invita a reseñar demasiado ya que hay que admitir que la película ha envejecido bastante mal pero es una película muy curiosa si te interesa el hecho real o quieres tenerla en tu currículum vítae cinematográfico.

El tono documental me agrada ya que le da un cierto punto realista. Los decorados para el día de hoy no esta para nada bien conseguidos pero lo que importa aquí es la crudeza y la realeza con la que actúan los actrores que lo hacen bastante creíble. No es que tenga sangre, pero si que es verdad que es bastante desagradable las escenas de canibalismo y eso le da puntos a favor al realismo.

Digamos que es una versión barroca de la versión estadounidense del año 1993.

Es un trabajo bien realizado, que trata de contagiarnos la desesperación y frustración que vivían en cada instante... quizás se hace un poco larga, pero a mi me entretiene mucho.

Resumiendo, si eres un cinefilo o te interesa el hecho real darle una oportunidad ya que es una película mucho más realista, dura y humilde que la versión del 1993 pero que ha envejecido bastante mal si quieres ver un cine mucho más dinámico y cerca de los canones actuales cinematográficos, para eso te recomiendo mejor que le des un vistazo a la película Viven.

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